一晚在小茵家，聊影像

昨天拿著穩定器和繃干到系館還

和老師聊了很多近期在剪接舞蹈宣傳片的心得，關於一些近期在摸索的方向還有關於構圖等等

老師分享了去年拜訪的大師 Noemie Lafrance所教導一些觀念


『為什麼你覺得它必須被拍成dance film』

『作Dance Film的第一件事是 do not dance』

『不應該以舞蹈的角度去思考，而是用影像去編舞。為什麼這個桌子上擺著椅子，我就已經在編舞了』



http://sensproduction.org/noemie-lafrance


Noemie 是哲學家，他的作品大多分工很細跟專業的電影團隊合作

Melt 這支舞者掛在牆上，每一個片段可以看得出是在不同的時間點拍攝（日初、中午、晚上）

光影、皮膚上的蠟、服裝的纖維以及每個片段強調舞者的表情、張力

都在非常精巧的設計內。



比較起新人新視野及Play me的宣傳片

以這兩次的經驗我覺得通常編排好的腳本不完全能用得上（更動的比例大概是50%-60%)

因為以目前兩次的舞蹈多以即興為主

身為導演的我只能先與創作者溝通兩人想要的感覺及畫面

即興的因素下可變因素太多

所以在角度上真的需要非常多的累積才能漸漸精準的抓到畫面的完整性


整理之後拍宣傳片的可行方式


1. 一定要去看排，充分了解編舞家的舞作個性、與舞者工作方式、編排的方式（即興or編好的動作）等等

2. 找資料：這目前是我最欠缺的（一直在刷fb......），把一些拍得不錯的影片拿給編舞者討論，看這個角度、氛圍

                   是不是符合他要的感覺

3. 腳本：目前還在摸索階段..............下次把燈光的元素加進去

4. 要以「如果我不認識裡面的舞者、編舞者，我會想把影片看完嗎？」的角度去導一支影片，太多時候容易陷入自溺、我好棒棒的角度去執行。這件事是最近和BK討論某一支接近3分鐘的影片聊到的，如果這個舞者是某個不知從哪裡來的人，我會想要繼續看下去嗎？

Actully 我覺得這件事是每個藝術創作者，尤其是一些已經有固定小圈圈的支持群需要跳脫思考的，正向鼓勵固然重要，但逼迫自己/團隊成長才是首當其衝。

5.如果抽離掉燈光、音效，回到本質，剩下什麼？



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啦啦啦 ，其實自己也還是在一個小嫩嫩的階段

但如同學舞一般，觀念永遠比外型重要，質地也比有沒有記對動作重要，方向才是對的就是往前邁進的一小步

希望不管剪接或創作手法可以越來越成熟。